Статья посвящена обзору архивных документов времен Великой Отечественной войны, раскрывающих деятельность Всесоюзного комитета по делам искусств (ВКДИ) и его председателя Михаила Борисовича Храпченко по поддержке творчества музыкантов - композиторов, музыковедов, исполнителей. Изучение материалов было обусловлено работой над фундаментальной монографией в рамках серии «Наркомы Великой Победы» - «Всесоюзный комитет по делам искусств при Совете народных комиссаров СССР. 1941-1945». На основе изучения многочисленных документальных источников освещаются такие страницы музыкальной военной летописи, как перестройка на военный лад художественного репертуара: создание сотен массовых песен, проведение многочисленных конкурсов и творческих совещаний по проблемам песни. Упоминания заслуживают и такие факты, как открытие в военные годы новых музыкальных учебных заведений и художественных коллективов, создание фронтовых концертных бригад и перечисление средств в Фонд обороны. Отдельный блок документов раскрывает подробности конкурса на создание Гимна СССР, а также работу Комитета по Сталинским премиям. Основной источниковой базой исследования стали фонды Российского государственного архива литературы и искусства (РГАЛИ), Государственного архива Российской Федерации (ГАРФ) и др. Немаловажную роль в характеристике исследуемых событий играют также дневниковые записи Храпченко, содержащие уникальные и ранее не обнародованные сведения
Актуальные проблемы высшего музыкального образования
2025. — Выпуск 3 (78)
Содержание:
Концепция «театра вещей» в современной проектной культуре активно используется в сценографии, дизайне среды, экспозиционных проектах. Практическая концепция концепции связана с нашим вниманием к семантико-образной сути инсталляций. В отечественной культуре традиция синтеза дизайнерских идей и театрального пространства включает опыты 1920-х годов, а также яркие постановки Театра на Таганке режиссера Ю.П.Любимова в сценографии Д.Л.Боровского. Важным элементом концепции среднего дизайна как раз является умение отыскать и отобразить богатые ассоциативные возможности предметных инсталляций, превращая их в театрализованные художественные пространства. Опыт создания серий мемориальных экспозиций РГХПУ им. С.Г.Строганова обеспечивает возможности эмоционального эмоционального насыщенного художественного пространства, формирования, охватывающего зрителя в различные ключевые этапы и темы, связанные со странами Великой Отечественной войны в нынешних эпохах и современных художниках.
Ключевые слова
Статья посвящена творчеству Гантера Шуллера (1925-2015) - одного из самых разносторонних, мастеровитых и влиятельных музыкантов США. Потомственный оркестровый музыкант, он начал свой профессиональный уровень как валторнист. Приобрел известность также как композитор, джазмен, симфонический и оперный дирижер, педагог, музыкальный администратор, издатель, редактор и популяризатор музыки. Ввел в оборот термин «третье», обозначающий синтез современной западной академической музыки и музыки различных неевропейских культур, прежде всего джаза, и был виднейшим проявлением этого течения (характерен пропорционально часто исполняемый оркестровый цикл «Семь этюдов на темы Пауля Клее»). Вместе с тем обширное, многожанровое, стилистически разнообразное композиторское наследие Шуллера включает в себя ряд крупных оркестровых партитур, совершенных по сложности атонального языка и не имеющих отношения к «третьему течению». В некоторых из них Шуллер предстает наследником нововенского экспрессионизма, в иных тяготеет скорее к пейзажно-живописному импрессионизму. последовательной познавательной и педагогической ценностью согласно трактату Шуллера «Совершенный дирижер»: обзор истории, теории и эстетики дирижирования, одновременно детальные дирижерские анализы нескольких классических партий и критику интерпретаций дирижеров-«звезд». В качестве альтернативы Шуллер предложил запись натуральных, в некоторых отношениях своеобразных и новаторских трактовок симфоний Бетховена и Брамса.
Ключевые слова
Цель статьи - продемонстрировать оригинальные композиционные решения молодого И. Брамса в его Скерцо ор. 4 в результате переработки моделей из Скерцо Шопена № 2. Будучи очень молодым композитором, пытавшимся написать скерцо как самостоятельную крупномасштабную форму, Брамс не мог игнорировать вклад Шопена в этот жанр. Как и Шопен, Брамс столкнулся с проблемой превращения скерцо в драматическую поэму с направленным развитием, для чего потребовалось выйти за рамки статичной формы da capo. Брамс опирался на Второе скерцо Шопена в следующих аспектах: аллюзии на тематический материал; повышенная интенсивность развития в крайних разделах; наличие единой интонационной фабулы, развивающейся сквозь всю композицию. К наиболее важным средствам динамизации традиционной трехчастной формы скерцо, примененных Брамсом, относятся: функциональная амбивалентность тем; использование "модулирующей" формы и, в особенности, трансформация мотивов, охватывающая все контрастные разделы, что превращает всю композицию в единый процесс.
Ключевые слова
В центре внимания автора статьи малоизвестная отечественному научному и исполнительскому сообществу фигура талантливого бельгийского композитора, пианиста, органиста и педагога рубежа XIX-XX и первой половины XX столетия Жозефа Йонгена (1873-1953) и один из интереснейших образцов американского органостроения начала прошлого века, так называемый Орган Уонамейкера (Wanamaker Grand Court Organ). Инструмент был установлен в атриуме универмага в Филадельфии. Для достижения титула «самого большого органа в мире» в течение двух десятилетий отцом и сыном - Джоном и Родменом Уонамейкерами - осуществлялась грандиозная реконструкция инструмента. Для концерта-инаугурации органа, демонстрирующей его звуковую мощь, тембровое и техническое великолепие, Йонген написал одно из самых ярких своих сочинений «Концертную симфонию» (Symphonie Concertante) для органа и симфонического оркестра ор. 81 (1926). История создания и исполнительская судьба этого опуса находятся в центре внимания предлагаемой статьи. Здесь рассматриваются и стилевые особенности талантливого сочинения - плодотворный, художественно выверенный синтез традиций органного контрапункта школы Сезара Франка и импровизационности, импрессионистской звукописи и виртуозной концертности органных симфоний Видора и Вьерна, «аромата» чувственности французского мелодизма и орнаментальной изысканности бельгийского ар-нуво в сочетании с неограниченными возможностями постромантического оркестра
Ключевые слова
Статья раскрывает процесс преломления жанров и техник письма изобразительного искусства в камерно-инструментальной музыке современного американского композитора Лоры Швендингер (1962). На примере программных циклов миниатюр «Муза художника» (2017) для флейты, кларнета, скрипки, виолончели, фортепиано и ударных, «Девять муз» для квартета флейт (piccolo, две флейты in C и alto, 2019) и «Квартет существ» («Creature Quartet», 2015) для струнного квартета показаны принципы воплощения жанра художественного или анимационного портрета в музыке, охарактеризован выбор средств выразительности, связанный с красочными тембрами и разнообразными приемами звукоизвлечения. Камерный ансамбль «Мазки кистью» («Brushstrokes», 2010) для флейты, кларнета, скрипки, виолончели, фортепиано и ударных в семи частях позволяет проследить авторский механизм воплощения методов живописи разных эпох (ренессансная техника сфумато, барочная техника кьяроскуро, постимпрессионистская техника пуантилизма) в музыкальном тексте. Синестетические опыты Швендингер вписываются в актуальное пространство музыки последнего столетия (от А. Шенберга и А. Веберна до К. Саариахо). Отмечается особая роль французских традиций в творчестве композитора (интерес к тембрам, штрихам, звукоизобразительности, программности).
Ключевые слова
Статья посвящена масштабному международному проекту Государственного института искусствознания «Роль советских музыкальных деятелей в формировании национальных композиторских и исполнительских школ стран СНГ». Автором анонсируется коллективная монография, вышедшая в рамках данного проекта. Книга охватывает широкий круг тем, связанных с изучением национального музыкально-культурного наследия Азербайджана, Беларуси, Казахстана, Кыргызстана, Молдовы, России, Таджикистана, Туркменистана, Узбекистана. Весьма показательно, что в данном коллективном труде приняли участие исследователи из подавляющего числа национальных республик в границах постсоветского пространства. Как показывает изучение монографии, в ней дано объемное освещение художественных процессов и явлений советской эпохи, которые давно нуждаются в исследовании. В трех разделах книги, посвященных истории формирования национальных композиторских и исполнительских школ стран СНГ, становлению исторического музыкознания и фольклористики и творческим биографиям выдающихся мастеров музыкального искусства, открывается панорама многонациональной культуры и роль российских (советских) композиторов, исполнителей, ученых, педагогов, которые внесли существенный вклад в формирование академических традиций народов Содружества Независимых Государств. Опора на архивные материалы, сведения из прессы и периодики первой половины XX века, дневниковые записи и воспоминания позволяют читателю открыть ранее не изученные и малоизвестные явления. С этой точки зрения работа обладает высокой степенью новизны. В статье анализируются причины востребованности изданного исследования и его значимость.
Ключевые слова
В статье Определена национальная специфика композиторской практики 1990-2020-х годов и формирование жанрово-стилевой концепции современной белорусской академической музыки. В двадцатых статьях выявляются характерные черты современной белорусской композиторской практики, обусловленные национальной спецификой и жанрово-стилевыми особенностями поддержания этого периода. Среди основных принципов композиторской практики можно выделить творческое обращение к национальному фольклору, связанное с стремлением воплотить в музыке глубинные основы национального менталитета; возросший интерес к истории прошлого белорусского народа и духовной тематике («новая сакральность (sacra nova)» по Н. Гуляницкой); творческая рецепция западного музыкального постмодернизма, обусловленная стремлением привнести в европейский композиторский опыт черты. Основными направлениями направлений современной белорусской академической музыки являются: классическое направление, включающее неоклассические и новоклассические (или «новую классику» по В. Холоповой) музыкальные стили; «национальный романтизм», в основе которого музыкальный стиль, ориентированный на фольклор, и музыкальный стиль, акцентирующий древнеславянский и православный стиль, а также национальную историю; и «новая белорусская музыка», представляющая собой экстраполяцию и творческую интерпретацию элементов западноевропейского музыкального постмодернизма, своеобразный синтез «нового» языка и «старых» форм.
Ключевые слова
В статье рассматривается влияние позднего камерного творчества Бетховена на формирование стиля выдающегося сербского композитора Йосипа Славенски. Его Первый квартет ор.3, нарушая традицию, состоит из двух частей, названия которых указывают на связь с народной традицией - «Pevanje» («Пение») и «Igranje» («Танцы»). Признаки южнославянского фольклора ощущаются в тематизме, ладовой организации, вариантности развития, но при этом возникают формы европейской профессиональной музыки - фуга (1 часть) и рондо-соната (2 часть). Фуга, имеющая тесную связь с квартетом ор.133 Бетховена, отличается сложностью полифонических приемов (используя вдвойне подвижной контрапункт в стреттах). При этом происходит вариантное преобразование темы, степень которого значительно превышает изменения, допущенные Бетховеном в ор.133. Вторая часть квартета по-новому претворяет принцип рондо-сонаты, сохраняя контрастное противостояние тем и динамизм разработки. Так «под сенью» творчества Бетховена впервые проявляется новый характерный стиль Й. Славенски, органично сочетающий южнославянский тематизм и вариантность с европейским классическим формообразованием
Ключевые слова
Статья представляет собой междисциплинарное исследование на стыке культурологии и африканистики. Рассмотрена проблематика культурных кодов, являющихся ключевым фактором в понимании культуры и способствующим ее идентификации, а также вопросы ценностей и смыслов в контексте культурно-исторического процесса. В Субсахарской Африке на формирование культурных кодов оказали влияние специфические факты истории. Один из пластов африканской культуры - это базовая картина мира, система традиционных ценностей, форм жизнеустройства, взаимосвязей с природой. Формирование еще одного пласта связано с колонизацией, насильственной христианизацией, борьбой за свободу и независимость, а также с комплексом расовых проблем, определивших самосознание африканцев. Рассматриваются следующие взаимосвязи исторических событий и порожденных ими ценностно-смысловых блоков: колониальное угнетение, работорговля и сопряженный с этим смысл «травмы»; национально-освободительная борьба и связанный с ней ценностно-смысловой комплекс свободы и независимости; расовый конфликт и ответы на него в виде 2-х ценностно-смысловых блоков: а). феномен «мы тоже» б). Феномен «мы лучше» - мысли о специфике и уникальности африканцев, о превосходстве черной расы; вопрос о миссии Африки и африканцев, реализованный в идее «чернокожий человек - спаситель веры, хранитель духовности и чести»; Традиционный контекст, вопрос об уникальной системе представлений, воплотившийся в ценности жизни, в принадлежности к общине, в отношениях с предками и с природой. Автор приходит к выводу о существующей взаимозависимости культурно-исторических событий и базовых ценностно-смысловых блоков, получивших отражение в африканской поэзии
